Artículo de Ruth Rodríguez sobre "Juventud todavía" en "Eldiario.es"

Con motivo de la presentación del poemario en Toledo, el 19 de enero de 2016, el periódico digital "Eldiario.es" ha publicado un excelente artículo sobre Juventud todavía (Ediciones Vitruvio, Colección "Baños del Carmen", n° 527; Madrid, 2015) debido a la poeta y divulgadora cultural Ruth Rodríguez, directora de la Escuela de Escritura Creativa "Verbalina".

Dejó aquí el enlace al texto de Ruth, por el que deseo expresarle mi profundo agradecimiento:


http://www.eldiario.es/clm/Juventud-tiempo-todavia_0_474902742.html

Presentación en Toledo de "Juventud todavía"

Martes 19 de enero de 2016, 19:00 hrs.

En el Salón de Actos de la Biblioteca de Castilla-La Mancha, en Toledo (Cuesta de Carlos V, s/n).

Presentado por Ruth Rodríguez, directora de la Escuela de Escritura Creativa Verbalina.


http://agendacultural.castillalamancha.es/juventud-todavia

Las compartidas "Campanas" de Poe y Rachmaninov - "Afinando: escritos sobre música" ("El Ballet de las Palabras")

Los autores de la llamada "música clásica" no han permanecido ajenos a la estremecedora literatura del norteamericano Edgar Allan Poe (1809-1849). Grandes compositores incluso repararon en el legado genial de este romántico a ultranza, maldito de malditos, oscuro príncipe ensalzado por Charles Baudelaire; responsable de prodigiosas narraciones y turbadores poemas llenos de invención cruel y macabra, tristeza furibunda, dolorosa excentricidad y ese desatado infortunio capaz de pintar las mujeres más pavorosamente bellas que puedan imaginarse. El influjo de Poe, por medio de Baudelaire precisamente, se dejó sentir nada menos que en las respectivas creaciones de Claude Debussy y Maurice Ravel. Pero si hemos de hablar de la influencia textual más sostenida, cabal y perdurable en términos históricos, a través de una sola partitura plenamente lograda y hoy venturosamente recordada, deberemos poner ojos y oídos en una bendita rareza del repertorio internacional: la cantata para solistas, coro y orquesta Las campanas, op. 35, que el compositor ruso Sergei Rachmaninov (1873-1943) redactara a partir del poema homónimo, en cuatro partes, debido al escritor de Boston.

Podríamos decir que Rachmaninov sintió por la muerte una fascinación análoga a la de Poe. Cierto que el temperamento lírico de ambos era distinto, pues nada más lejano a las intenciones del ruso que recrearse en una visión morbosa, en un voltaje enfermizo de la vida; dicho de otro modo: la sed de luz en las obras de Rachmaninov se hace mucho más presente. Pero ¿cómo olvidar la recurrente aparición del característico tema del "Dies irae", de la Misa de Difuntos medieval, en algunas de sus partituras más difundidas? ¿Cómo olvidar que uno de sus trabajos orquestales más logrados -el mejor para algunos críticos- es el poema sinfónico titulado precisamente La isla de los muertos? Si a dicha fascinación fúnebre se suma, como oportunamente ha recordado el comentarista Geoffrey Norris, una inequívoca querencia, madurada ya en sus primeros años de vida, "por la sonoridad de las campanas de las iglesias y su capacidad para resonar en las mismas emociones de los seres humanos", toda la senda se encontraba perfectamente expedita para poder alcanzar los aludidos predios de Edgar Allan Poe.

Campanas de plata, campanas de oro, campanas de bronce, campanas de hierro: metales cuya diversa sonoridad otorgan la estructura cuatripartita al poema de Poe, que Rachmaninov no conocería hasta 1912, a través de una traducción bastante libre realizada al ruso por Konstantin Balmont. Plata del nacimiento y la edad primera, oro de los esponsales, bronce del pánico por la alarma de fuego, hierro del duelo y del funeral; y ese recorrido trazado por el poeta como símbolo en marcha, como trasunto de la vida humana -campanas evolutivas pero omnipresentes-, es recreado por el músico con su proverbial lógica constructiva y su peculiar eficacia lírica. Siempre tan generoso en los contrastes -Rachmaninov, uno de los mejores pianistas de la historia, llegó a conocer admirablemente todos los secretos del sinfonismo moderno-, la paleta orquestal del compositor ruso se pone al servicio de los versos con tal flexibilidad que el elemento vocal de la partitura -en planteamiento tímbrico global, orgánico- se beneficia igualmente de tan abierta visión. El tenor, en el primer movimiento -"Allegro ma non tanto"-, conducirá una sencilla, casi ingenua celebración de la vida, mientras que en el segundo -"Lento"- la efusividad de la soprano terminará acaparando las delicias de las nupcias, protagonizando por el camino algunos de esos irresistibles arranques melódicos tan típicos del músico de Semiónov. En sabia decisión, sin necesidad de recurrir a ninguna voz solista, el coro da vida estremecedora al terror colectivo del tercer movimiento, "Presto", para, finalmente, compartir desolación con la oscura voz del barítono en el cuarto segmento de la cantata: un "Lento lúgubre" extraordinario, dramático y patético, capaz, no obstante, de cerrar la obra toda en un clima de luminosa nostalgia. Estrenadas a finales del año 1913 en San Petersburgo, con el propio autor a la batuta, estas Campanas hacen plena justicia al original de Poe, desde una perspectiva enriquecedora de libre literalidad. Sergei Rachmaninov contaba a este su opus 35 entre sus mejores trabajos: no se equivocaba tan insigne creador; "el último gran romántico de la Historia de la Música", como lo definió Gustav Mahler.


Artículo publicado en el número 9 de la revista cultural digital "El Ballet de las Palabras" (diciembre de 2015).

"Afinando: escritos sobre música" en la revista "El Ballet de las Palabras" (enero 2016)

Un nuevo artículo de mi autoría, La música total de Leonard Bernstein -en el 25° aniversario del fallecimiento del gran director de orquesta y compositor norteamericano-, junto con los demás contenidos del recientemente publicado número 10 de la revista cultural digital El Ballet de las Palabras -creada y dirigida por Patricia Pérez-, puede consultarse en el siguiente enlace:

http://es.calameo.com/read/002529764e96771bacb62

Pedro Miguel Marqués, "El Beethoven español" - "Afinando: escritos sobre música" ("El Ballet de las Palabras")

La Historia de la Música española tuvo en la figura del malogrado Juan Crisóstomo de Arriaga (1806-1826) una suerte de Mozart soñado, precoz, fecundo y memorable, cuya fulgurante asimilación del Clasicismo le pondría a las puertas de desarrollar una trayectoria paralela a la de Schubert y Mendelssohn, o lo que es lo mismo, de participar decisivamente en la construcción del lenguaje romántico bajo la insoslayable impronta de Beethoven. Por desgracia, el tempranísimo óbito del genial Arriaga impidió, en gran medida, que la música española pudiera sumarse, de una manera rigurosamente coetánea, a la evolución europea del arte del sonido. El repertorio sinfónico puso de manifiesto, en las décadas posteriores y de forma tan evidente como cruel, la magnitud del desfase que llegó a producirse; la directa huella beethoveniana que aún pervivía en las sinfonías de Tomás Bretón o en la de Ruperto Chapí, mientras que en Centroeuropa Johannes Brahms pasaba ya por conservador para algunos ante los cambios emprendidos por el wagneriano Anton Bruckner. Con todo, sería un craso error despreciar, sin más, las contribuciones hispánicas al sinfonismo del momento: la ausencia de una genialidad rotunda, capaz asimismo de abstraerse del retraso histórico acumulado para así superarlo, no significó en absoluto un abandono de la praxis excelente en materia de composición.

El caso del músico mallorquín Pedro Miguel Marqués (1843-1918) resulta al respecto sumamente ilustrativo, por no decir definitorio, y causa tristeza comprobar que, si su nombre todavía permanece en algún secreto rincón de la memoria colectiva, ello se debe a la zarzuela en dos actos El anillo de hierro, la mejor contribución en el terreno del teatro musical de quien se hallaba lejos de poder presentarse como zarzuelista de raza. Pues el medio natural para la creatividad del autor fue lo puramente orquestal: oberturas de concierto y hasta seis sinfonías -si contamos entre ellas La vida, magno poema sinfónico-, dan testimonio sobrado de hasta qué punto el talento de Pedro Miguel Marqués se desplegó aquí con toda intensidad. De las citadas partituras, las cinco sinfonías estructuradas en los preceptivos cuatro movimientos le hicieron merecedor de un sobrenombre, El Beethoven español, que, si bien carecía de fundamento en lo tocante a la dimensión artística de uno y otro, al menos sí acertaba a poner de relieve la estatura de Marqués como adalid, casi único, de la música sinfónica por estos lares, a la sazón tan renuentes a cimentar una verdadera sensibilidad receptiva entre el público en torno a la cultura orquestal. Mérito notabilísimo de veras bajo condiciones tan hostiles.

Urge la plena recuperación de este legado sinfónico; urge, para empezar, que las partituras de Marqués no sólo se interpreten en ocasiones contadas, como si con ello se saldase una mera deuda histórica sin consecuencias a medio y largo plazo en el imaginario sonoro de un país. Además, en este caso se dispone de una obra concreta de arrolladora personalidad que puede abrir camino eficazmente: la Sinfonía n° 3, en si menor, del año 1876; una auténtica joya de particular brillantez, con su tiempo lento de gran empaque, su entretenido "scherzo" en forma de tema y variaciones, y, sobre todo, sus emparentados movimientos extremos, el primero y el cuarto, muy inspirados e incluso ardorosos, atentos a la tradición pero tan ajenos al academicismo que hasta ciertos giros melódicos y armónicos logran aportar a la música un sabor genuinamente hispánico. Las creaciones de Pedro Miguel Marqués no nacieron para la fugacidad y la postergación. Son arte del bueno, del que contribuye a la dignidad duradera de un tiempo y un espacio; arte que no es cosa sino camino, recordando a Elbert Hubbard. Recobrémoslo.


Artículo publicado en el número 8 de la revista cultural digital "El Ballet de las Palabras" (octubre de 2015).